G.H. Hovagimyan / Matta-Clark, anarquitectura y artes mediales

Este año, en el contexto de la exposición dedicada a Gordon Matta-Clark en el Museo Nacional de Bellas Artes, fuimos invitados a dar una charla con Gerry Hovagimyan, quien trabajo con el fallecido artista que acuño el termino Anarquitectura, y modifico los parámetros clásicos de la producción cultural. En esta entrevista, Gerry relata el trabajo realizado con Matta-Clark en sus clásicos cortes de edificios, la importancia de la recuperación de la obra realizada por el anarquitecturista en el MNBA a principios de los 70 -la única pieza que perdura parcialmente en el tiempo-, de la importancia del uso de códigos y licencias libres en las artes mediales, y de su propio trabajo.

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G.H. Hovagimyan con Manuela Jacard y Martin Kaulen en el MNBA

BAM · ¿Cómo conociste a Gordon?
Gerry. Conocí a Gordon cuando estaba en la Escuela de Arte de Filadelfia. Fue a dar una charla sobre su trabajo. Creo que vino con Carol Goodden. Mostró una obra entorno/hábitat de cuerda tejida que hizo en 1971 en la Universidad Vasser titulado «Tree Dance», que consistió en una danza/performance de un día. Por supuesto, esto fue muy energizante para el departamento de escultura de mi escuela. Los alumnos allí estaban experimentando con diversos tipos similares de obras basadas en procesos. La sensación entre los jóvenes en ese momento era que el mundo necesitaba una agitación revolucionaria. Hubo manifestaciones masivas estudiantiles en Mayo de 1968 en muchos países como México, Francia, Checoslovaquia y los EE.UU.. Algunos eran para derrocar los regímenes comunistas, otros para crear comunas marxistas, y otros para exigir los derechos humanos fundamentales, y la igualdad de derechos para las minorías. El sentimiento colectivo en ese momento reflejaba una enorme insatisfacción con las estructuras sociales y políticas existentes, y la necesidad de experimentar y encontrar nuevas formas de vivir era transversal. Esto incluía abandonar los métodos convencionales para hacer y ver el arte, borrando las fronteras tradicionales entre las distintas disciplinas artísticas. Gordon, por supuesto, tenía un pedigrí artístico por el hecho de que su padre fue un famoso pintor surrealista. Él estaba bastante cómodo en campo del arte y sabía sus mecanismos bastante bien. Estaba en una posición única para criticar y/o deconstruir todo ese sistema. Una frase popular en ese entonces era: «Cambiar la bestia desde dentro» Gran parte de su generación se radicalizó y sintió que su responsabilidad para cambiar la forma en que el mundo se sostiene. Había muchos grupos de artistas y colectivos que buscaron diversas maneras de hacer esto.

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Espacio de Claraboya en el MNBA

BAM · Los intervenciones de GM-C ya no existen, la única manera de tener un enfoque de las mismas es a través de imágenes, películas y la memoria. ¿Qué se siente cuando recuerda el proceso, y cuál es tu percepción sobre el resultado final de estos procesos?.
Gerry · Las fotografías de las intervenciones de edificios de Gordon Matta-Clark son obras de arte bi-dimensionales. Gordon trató de transmitir algunas de sus ideas sobre la apertura y transformación del espacio arquitectónico mediante la creación de fotomontajes desplegables. Funcionan como un «signo» o una indicación de la sensación que entregaba el movimiento a través de una de sus obras. Sin embargo, son «fantasmas» o información parcial que transmite una idea pictórica del espacio. Lo que falta es una obra original donde se pueda sentir a través del desplazamiento la esencia del trabajo. Es la diferencia entre mirar una hermosa fotografía de una manzana y morder una manzana real. La obra de Gordon siempre contiene un componente social. Esto implicó la activación de gente en el espacio, como bailarines, una comida, o simplemente caminar por una de sus piezas para sentir las distorsiones de la percepción espacial causada por el trabajo. Usted podría preguntarse, «¿Cuál es la diferencia entre eso y una sala de espejos o un divertido paseo en un parque de diversiones?» La diferencia es que Gordon utilizó su trabajo como una manera de cuestionar la jerarquía de la arquitectura y la crítica de las condiciones sociales de un determinado sitio. De la misma manera se acercó al espacio fotográfico. Esto se puede percibir en la incipiente forma de las imágenes documentales para Claraboya (la obra por recuperar que existe en el MNBA).

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Imagen de Claraboya, intervenida por G.H Hovagimyan 

Gordon estaba jugando con varias ideas en mi opinión. Una de ellas fue la idea de una casa periscopio, creada por un espejo inclinado que refleja la claraboya. Otra es las distorsiones del espacio pictórico reflejado por los espejos que se ve en las fotografías. Esto ata las fotos directamente a la instalación física de una manera que va más allá de la idea de la mera documentación. Las fotografías se convierten en una extensión de la obra, completando el trabajo y vice versa. Las fotografías no están completas como obra sin la instalación física. Esto es a lo que me refiero con la idea de una obra fantasma.

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Imagen de Claraboya, intervenida por G.H Hovagimyan

BAM · ¿Qué significa Anarquitectura para ti?
Gerry · Esta es una pregunta compleja. El nombre se compone del anarquismo y la Arquitectura. La complejidad del juego de palabras es que la arquitectura se utiliza a menudo para representar el poder del Estado, mientras que el anarquismo es un reto para el poder del Estado. Así que el título implica un desafío a las estructuras jerárquicas inherentes en la arquitectura y su uso. Esta es una posición anarquista postulada por Mikhail Bakunin. La idea es que la posición de los Estados se refiere a la coerción, en oposición al marxismo que dice que el Estado crea alienación. Los pensadores post-anarquistas consideraban que el poder coercitivo del Estado traspasa la sociedad para infiltrarse en las funciones básicas de las relaciones personales y el lenguaje. Por lo tanto para desafiar al Estado, se necesita desafiar las relaciones de poder en el lenguaje. El título Anarquitectura lo hace de forma eficiente. Esto nos lleva a la idea de «deconstrucción», que comenzó como un texto crítico basada en las relaciones de poder. Con Anarquitectura, Gordon visiono la arquitectura como un campo de lenguaje, y como tal, puede ser analizado por sus relaciones de poder. El grupo Anarquitectura era un grupo de artistas que tomaba fotografías de acciones inspiradas en la arquitectura o en el espacio público. Era algo relacionado con los situacionistas franceses de la «derive», basado en un paseo por la ciudad fuera de foco. Hay una discusión mucho más profunda de todas las técnicas situacionistas que Gordon utilizó en su trabajo, pero eso es para otro momento. Puedes consultar la página Situacionista en wikipedia para más información.

graffiti and street arthttp://www.arteycallejero.com/2012/10/70-anos-de-evolucion-del-arte-urbano-en-un-infografico/ 

BAM · ¿Cómo se relaciona esto con las artes mediales?
Gerry · Hay varios puntos donde se cruzan el trabajo de Gordon, la anarquitectura y las artes mediales. Por mi parte, internet fue un primer foco de interés. En esa época (años 90), la Internet era de muy difícil acceso. Los artistas que estaban estaban usando este medio eran anti-jerárquicos. Salieron del mundo del arte hacia la anarquía de Internet. Era una comunidad algo experimental, como la del Soho en la década de 1970. Había un par de colectivos de Internet sueltos, y yo estaba involucrado en ese momento. Uno se llamaba ArtNetWeb y el otro se llamaba The Thing. The Thing aún existe, pero no tiene la misma esencia subterránea que tuvo en los primeros años de Internet. La creación y escritura colectiva de códigos y el hacking son fundamentales en la nueva cultura de medios de comunicación, como también el del Hazlo Tu Mismo y el código abierto. La obra de artes mediales se basa en el desafío a la hegemonía corporativa y el diseño de software.

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Gordon Matta-Clark y Jeffrey Lew, 1971

BAM · Sin duda los limites de la Investigación y Creación en Artes Mediales se fundamentan en la inquietud de realizadores que inventan y comparten las herramientas actuales de producción cultural. Ahora bien, esto es es bastante obvio, pero, ¿por qué crees que es importante rescatar el proyecto MNBA Claraboya? Por favor, ¿puede decirnos sobre la historia de la pieza, y la importancia de la herencia de GM-C?
Gerry · En algún momento a finales de 1971 y principios de 1972 Gordon llegó a Chile para reunirse con su padre. Matta acababa de tener una retrospectiva de su trabajo, y ya se había ido cuando Gordon llegó. Era un momento de mucha inestabilidad en el gobierno de Allende. En Nueva York se comentaba que los Estados Unidos estaban trabajando para ayudar al derrocamiento de Allende. Matta estaba en una lista hecha por los marxista. Tuvo guardaespaldas para evitar ser secuestrado. La situación era muy inestable. El primo de Gordon -director del Museo de Bellas Artes- le ofreció hacer una intervención en el Museo. Fue cuando Gordon creó Claraboya en un hueco de una de las escaleras del museo. La pieza ha sido parcialmente desmantelada, ya que esa escalera fue renovada para mejorar la fontanería, electricidad y ventilación. He conversado con Jane Crawford, la responsable de la obra de Matta-Clark y hemos analizado las fotografías de documentación que tomó Gordon. Hemos podido reconstruir en planos la pieza, y las intenciones de Gordon con el trabajo. Hemos enviado una propuesta modesta para su reconstrucción al museo. He incluido un par de fotomontajes. Encontraras en la parte superior un conducto de ventilación de metal. Este penetra a través de las plantas. Ese conducto se ha eliminado y re-enrutado pero la penetración permanece. Si usted mira para arriba se puede ver el techo tragaluz de la azotea. Creemos que fue el punto de partida de la obra original. Como se puede ver en el fotomontaje, hay seis espejos en total y un marco de madera y pared de cartón yeso en la izquierda. También hay una impresión fotográfica de la instalación completa en la pared izquierda. Esta es la parte física real de la obra. Las otras partes (no físicas) son las diversas reflexiones y puntos de vista causada por los espejos. Los espejos rebotan alrededor del punto de vista de una persona que entra en el hueco de la escalera. Si nos fijamos en la parte inferior izquierda verá un espejo que refleja las escaleras. Los dos espejos más grandes de la izquierda se inclinan en ángulos diferentes.

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Imagen de Claraboya

 En un espejo se puede ver el reflejo de una persona (Gordon) que se coloca en la entrada de la escalera. El espejo inclinado en la fascia refleja la luz del sol en la claraboya a través de las penetraciones en el suelo. Como mencioné antes, la «Anarquitectura» y la disrupción típica en la obra de Gordon puede ser entendida a través de las fotos, pero nos robaron de la sensación real, ya que sólo se puede tener si la pieza está completa. El trabajo es muy importante tanto para la historia de Chile y la historia del arte. Veo el trabajo como una obra que se empalma con el Museo de la Memoria, que se ocupa de los Desaparecidos. En el caso de Claraboya la persona aparece en los espejos al igual que la luz del cielo. Es también un «Nonument» parafraseando a Gordon. Es un anti-monumento o un monumento a las personas que suben y bajan las escaleras todos los días. Ellos son las personas que trabajan para el Museo. Este es también un tema que se repite en la obra de Gordon, que se puede ver en su proyecto no realizado de Milan, «The Working Man’s Arch». Para el Museo de Bellas Artes, “Claraboya” es una pieza fundamental para su colección permanente, y necesita ser restaurada integramente.
Tengo la esperanza de obtener la aprobación para realizarlo lo antes posible. Sería perfecto poder restaurarlo en una eventual visita a Santiago para la Bienal de Artes Mediales en octubre.
 
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Karaoke 3D

BAM · Ahora, por favor cuentame de tu trabajo, ¿cómo combinas lo análogo y lo virtual en tu metodología de creación?
Gerry · Tiendo a mezclar los dos utilizando diversos lenguajes intrínsecos como el cine, la música pop, la performance, la arquitectura y el código informático. Mi trabajo sale de la década de 1970, pero también es nutrido por el Punk de los 80 y de la cultura hacking de los 90. Lo que comparto con Gordon es el uso del lenguaje, en concreto , juegos de palabras para sintetizar o inspirar una nueva obra de arte. Por ejemplo, la pieza que estoy haciendo para la BAM se llama Karaoke 3D. Mezcla 3 formas, una performace instalativa, un espacio 3D y vídeo a tiempo real en 3D, y un espacio de comunicación medial basado en el uso de letras y música pop.
En otro trabajo titulado See/Saw, hice un balancín que funciona como un controlador de la película. Use la película de 1960, «Two for the Seesaw” que descargue de la web, y lo dividí en 112 escenas siguiendo el guión que el director utilizo para dividir las escenas. Entonces, escribí un programa de selección aleatoria que alimenta las escenas proyectadas en dos ventanas, una encima de la otra. Cuando las personas utilizan el balancín, estas se prenden y se apagan. La sensación de tratar de ver una película deconstruida al subir y bajar es bastante desconcertante. Se refiere en algunos aspectos a la desorientación en la obra Matta-Clark, pero no de una manera directa cotidiana. Es la misma sensación que quise generar para el vídeo 3D en Karaoke3D, que es también bastante desorientador.
Mi impresión es que lo que un artista Medial tiene que hacer es utilizar la tecnología, pero unido a sus necesidades personales, artísticas y estéticas. Esto no tiene nada que ver con la idea de diseñar para un mercado de masas. Son más en la naturaleza de la experimentación estética y de percepción. Así que estoy muy contento de tener una audiencia pequeña y realmente no pienso en hacer dinero en el mercado de masas.
 
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See/Saw

BAM · ¿Por qué el código abierto es importante para la producción cultural?
Gerry · Yo uso software de código abierto. También creo en compartir el código. Es otro tipo de discurso estético, especialmente en las Artes Mediales. Algunos artistas realmente disfrutan de la creación de herramientas y entornos de programación para resolver problemas estéticos específicos dentro del software. Otros pueden entonces utilizar las herramientas y complementarlas. Esta es una manera muy abierta y creativa para que la gente pueda compartir los recursos y también sorprenderse mutuamente. En cualquier discurso estético hay múltiples puntos de vista y múltiples resoluciones. Todos son válidos. Cuando se elimina un incentivo de mercado se puede apreciar todo. También se puede aprender de los esfuerzos de todos. Es otro sistema de lenguaje. Así, por ejemplo, yo utilizo cámaras Kinect hackeadas. Uso códigos de fuente abiertos y controladores, y puedo apreciar y aprender de lo que otros han hecho con las cámaras. Si nos rigiéramos por el modelo de comercialización, estaríamos coartados por la forma en cómo Microsoft quiere que usemos el Kinect. Seria muy reducido y aburrido.

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BAM · ¿Cuál es su opinión acerca de Creative Commons, y cómo se perciben los cambios en la manera de distribuir arte, quiero decir, ¿cómo ha cambiado Internet la totalidad del sistema económico?
Gerry · Creative Commons y las licencias de uso justo reconocen que otros artistas y programadores a menudo comparten la propiedad intelectual por motivos estéticos. Por ejemplo, si desea aprender a pintar, usted va a un museo con un caballete y copia una pintura. Nadie te detiene porque usted no tiene una licencia para copiar la pintura. Sin embargo, si usted hace una copia perfecta y trata de venderlo como si fuera el trabajo original del artista, está violando los derechos de autor. El Internet, por otro lado, es un sistema de participación y distribución de información. Está aún en evolución. Yo lo uso de manera diferente a su primer momento, cuando hacíamos net art primitivo, hasta ahora donde tengo varias páginas de Facebook. También estoy trabajando en un post-navegador con interfaz 3D, usando la cámara Kinect. Se trata de alejarse de un entorno 2D de impresión y publicación, y acercarse a un entorno 3D de información física inmersiva. Yo uso Internet para obtener información y luego utilizo diferentes métodos para visualizar la información en espacios inmersivos 3D.
Pero la pregunta era cómo ha cambiado el mercado. Me imagino que quería decir el mercado del arte. Con Internet puedo ir alrededor de las estructuras creadas para la comercialización y distribución de arte. Esto no significa poner una página web para vender pinturas. Lo que significa es que la internet tiene una cultura en línea y redes sociales que puedo acercar a objetos de arte tangibles. Puedo distribuir mis ideas y también crear hechos reales temporales para presentar mi trabajo. Todas mis obras, o al menos, la documentación está disponible en línea. Tengo una distribución mucho mayor que la obtenida en una publicación de en una revista de arte, o en un libro de arte impreso o en un catálogo. En cuanto al mercado y ganar dinero. La verdadera pregunta es si una obra de arte sigue siendo una obra de arte, si no se puede comprar y vender, ¿Sigue siendo arte si no hay ningún objeto físico? ¿Quién decide lo que es arte y lo que no es arte? Estas son las principales preguntas que constantemente están siendo desafiadas por los artistas. Aquí una para el siglo 21; si mi obra de arte digital no se puede convertir en una «App» que puede ser vendida ¿todavía tienen valor? O tal vez, «¿cómo se pueden coleccionar las artes mediales?
 
BAM · ¿Crees que la ciencia es un esclavo de las empresas multinacionales?
Gerry · Creo que hay muchos tipos diferentes de ciencia y de científicos. Si su intención es trabajar para una corporación multinacional puede hacerlo. También puede trabajar como investigador puro o en una institución educativa. El problema tiene más que ver con la financiación de la investigación pura en todos los campos del quehacer humano. Por ejemplo, yo me considero un investigador estético. Incluso cuando descubro algo que puede ser comercialmente viable, no estoy muy interesado en seguir para ganar dinero. Prefiero regalarlo. Por cierto es la razón por la que estoy haciendo el Karaoke 3D, una obra que es de código abierto y disponible en GIT-hub. Quiero que la gente tome el código, lo mejore, y lo convierta en un producto comercial. También hay una gran cantidad de proyectos que pueden salir de ese código. Pero yo soy sólo una persona y no puedo seguir todos los caminos donde se dirigen. Trato de proponer proyectos que son más acerca de la investigación de objetivos abiertos que traer un producto terminado al mercado. Yo creo que es el camino del futuro para las artes mediales en particular. El método científico es una manera de acumular datos y organizarlos para sacar una conclusión. Sumar a los artistas en esa mezcla puede humanizar los datos.
 
 
 
 

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